Una dosis de arte: MARZO

Llegó el mes de marzo y continuamos con nuestro taller: UNA DOSIS SEMANAL DE ARTE 🎨🖌️

Cada semana nuestras socias y socios reciben una obra y les contamos las curiosidades más importantes sobre ella. Mes a mes, haremos una recopilación de todas las obras enviadas para que no os perdáis ninguna de ellas.

MANIQUÍ EN LA NIEVE (John Singer Sargent, 1891-1893)

- Medidas: 63,5 x 76,2

- Técnica: Óleo sobre lienzo

Se encuentra en la Galería de Arte de la Universidad Yale.

Sargent pintó este lienzo en compañía de su compañero expatriado Edwin Austin Abbey en Fairford, Gloucestershire, donde los dos artistas habían alquilado un estudio para su trabajo en encargos de murales. Como diversión, un día, colocaron un maniquí en la nieve y pintaron bocetos al óleo desde la ventana de su estudio. Los resultados revelan sus diferentes enfoques del arte. El crítico Royal Cortissoz recordó que Abbey evocaba del maniquí a un trovador medieval realista con capa y sombrero de plumas (en un cuadro que no ha sido localizado); Sargent, en cambio, registró el muñeco sin vida que estaba ante sus ojos.

John Singer Sargent fue un artista expatriado estadounidense, considerado el retratista principal de su generación por sus evocaciones del lujo de la era eduardiana. Desde el principio, la obra de Sargent se caracteriza por una notable facilidad técnica, particularmente en su habilidad para dibujar con pincel, que en años posteriores inspiró tanto admiración como crítica por una supuesta superficialidad. Sus obras encargadas eran consistentes con la gran manera del retrato, mientras que sus estudios informales y pinturas de paisajes mostraban una familiaridad con el Impresionismo.

5 DOSIS ESPECIAL SEMANA DE LA MUJER:

EL BAÑO (Mary Cassatt)

- Técnica: Agua-tinta

- Movimiento pictórico: Impresionismo

Se encuentra en el museo Nacional de Mujeres Artistas.

¡Marzo es el mes de la historia de la mujer! Presentamos la obra maestra de hoy gracias al Museo Nacional de las Mujeres en las Artes.

En 1890, la Ecole des Beaux-Arts de París celebró una exposición a gran escala de grabados japoneses que fortaleció el interés de Mary Cassatt por la impresión. La exposición la inspiró a crear una serie de diez aguatintas de colores. El baño es la primera impresión de la serie y se deriva de un extenso grupo de trabajos relacionados de madres e hijos. El arte japonés influyó no solo en la elección del tema de Cassatt, sino también en su técnica y composición. Huellas de madera japonesas comúnmente representadas mujeres bañando niños.

La mujer y el niño de Cassatt no son claramente europeos ni asiáticos. Ella rindió las figuras y la tina como formas bidimensionales. De hecho, casi eliminó por completo el sombreado tradicional y las variaciones tonales que crean la ilusión de profundidad en el arte occidental.  Cassatt, una artista prolífica que creó más de 220 grabados durante su carrera produjo El Baño en 17 ediciones; El Museo Nacional de Mujeres en las Artes posee una impresión final.

EL CUELLO DE UNA PEQUEÑA NIÑA (Helene Schjerfbeck)

- Técnica: Acuarela

- Movimiento pictórico: Expresionismo

Pertenece a una colección privada.

Helene Schjerfbeck era una pintora finlandesa. Es mejor conocida por sus obras realistas y autorretratos, y menos conocida por sus paisajes y naturalezas muertas. A lo largo de su larga vida, su trabajo cambió drásticamente. 

Su trabajo comienza con una versión deslumbrantemente habilidosa, algo melancólica del realismo académico de finales del siglo XIX y termina con imágenes destiladas, casi abstractas, en las que la pintura pura y la descripción críptica se mantienen en perfecto equilibrio. Los primeros trabajos de Helene Schjerfbeck fueron de considerable importancia para el arte finlandés. Fue su década de búsqueda, y muchas corrientes en conflicto se pueden ver en sus obras. Aunque ella deseaba competir en el campo del arte "alto" con sus grandes obras históricas, a veces también representaba temas que el público consideraba triviales, casi fragmentos de un tema. En tales obras se puede ver claramente la influencia del arte francés de la época, con su lucha hacia un tipo de expresión artística más libre. Los niños que ella describió fueron considerados "feos" y "brutales", la técnica de pincelada amplia no fue entendida, y la obra identificó a Schjerfbeck como un representante del naturalismo extremo. Aunque sus primeros trabajos estuvieron muy influenciados por el naturalismo plein-air francés, hay espacio para colocar pinturas que son radicales de otra manera.

AUTORRETRATO SOSTENIENDO UN PINCEL
(Louis Hollandine of the Palatinate, 1650)

- Medidas: 74,5 x 59

- Técnica: Óleo sobre tabla

- Movimiento pictórico: Barroco

Pertenece a una colección privada.

Louise Hollandine del Palatinado fue pintora y abadesa. Fue la séptima de los hijos y la segunda hija de Frederick Elector Palatine y su esposa Elizabeth. Nació en La Haya, poco después de la llegada de sus padres a los Países Bajos tras la derrota de Federico en Bohemia en 1620. Fue bautizada como Louise en honor a su abuelo paterno y Hollandine como tributo a los Estados de Holanda, sus padrinos y el país de su nacimiento. Ella era una artista talentosa que estudió con Gerard van Honthorst y pintó a varios miembros de su familia. En realidad, pintó el estilo Honthost con tanta habilidad que algunas de sus obras se le atribuyeron (es un pecado típico de la historia del arte: atribuir pinturas de mujeres artistas a hombres. Afortunadamente, esto ha estado cambiando mucho recientemente). 

En diciembre de 1657 dejó su casa disfrazada y por razones desconocidas se convirtió en monja católica. En 1664 se convirtió en abadesa del convento de Maubuisson y continuó viviendo allí hasta su muerte a la edad de ochenta y ocho años. Este elegante autorretrato data de cerca de 1650.

VISTA DESDE KAZIMIERZ DOLNY (Aniela Cukierwna)

- Técnica: Grabado

Se encuentra en Jewish Histporical Institute.

Aniela Cukierówna fue una artista gráfica e ilustradora con sede en Varsovia, pero ganó reconocimiento principalmente como autora de grabados en madera. Su tema favorito era los paisajes urbanos. Hoy, nos gustaría poner el foco en su trabajo titulado Vista desde Kazimierz Dolny de 1932.

En la primera mitad del siglo XX, Kazimierz fue un centro del medio artístico. Los impresionantes paisajes de la zona atrajeron a multitud de artistas a la ciudad. Las sesiones de pintura al aire libre muy populares, a las que asistieron destacados pintores e ilustradores, así como estudiantes de arte o aficionados, pasaron a la historia. Cukierówna estaba asociada con un colectivo artístico que realizaba visitas de rutina a Kazimierz. La artista creó un ciclo completo de paisajes, con sus obras expuestas en el Instituto de Propaganda de las Artes en Varsovia en 1938. Los patrocinadores de la exposición se maravillaron de los elementos que todavía se consideran el punto más fuerte de la obra de Cukierówna: representaciones de arquitectura y fuertes contrastes. Colores que dejan una huella en la memoria de los espectadores.

DAVIS Y BETSABÉ (Artemisa Gentileschi)

- Técnica: Óleo sobre lienzo

- Movimiento pictórico: Barroco

Se encuentra en la Advancing Women Artists Foundation.

David y Betsabé de Artemisia se convirtió en parte de la gran colección ducal y hay documentos que demuestran que decoraba los apartamentos del Gran Duque de la Toscana en 1662. Después de la restauración de Advancing Women Artist, David y Betsabé se presentó al público el 27 de noviembre de 2008, en colaboración con la Galería palatina del Palacio Pitti. Durante una exposición de seis semanas, titulada Un regalo de Navidad a la ciudad de Florencia, la pintura se mostró junto a su reproducción en forma tapiz de Pietro Févère (1594–1669), encargado de los telares de los Médici. En 2009, la pintura se prestó al Palazzo Blu (Palacio Azul) para una exposición sobre Galileo y sus contemporáneos. Ahora se encuentra en el depósito del Palacio Pitti. (¡Esperemos que no por mucho tiempo!)

Artemisia pintó escenas procedentes de la historia de David y Betsabé en al menos seis versiones distintas. Representa la historia de la Biblia en la que David contempla a la esposa de Urías desde la azotea de su palacio. Esta breve descripción de Todd Gould para el guion de Invisible Women: Forgotten Artists of Florence ofrece un digno resumen del exitoso periodo florentino de Artemisia: “A comienzos de 1600, Artemisia Gentileschi recibió algunos de los encargos mejores pagados que jamás se hubieran concedido a una artista de la época. La reputación de sus obras narrativas a gran escala le ganaron no solo significativas sumas de dinero, sino también amistades con señalados líderes científicos y políticos de la época, que incluyeron a Galileo y al Gran Duque Cosme II, descendiente de la gran dinastía Médici, celebrados patrones de las artes”

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LAS TRES ROCAS EN LAS MONTAÑAS DE LOS GIGANTES
(Carl Gustav Carus, 1826)

- Medidas: 64 x 92,5 cm

- Técnica: Óleo sobre lienzo

- Movimiento pictórico: Romanticismo

Se encuentra den la Colecciones Estatales de Arte de Dresde.

La pintura de las Tres Rocas (Pielgrzymy/Dreisteinee) nos ofrece un ejemplo de la relación aprehensiva de los románticos ante el paisaje inquietantemente vasto y desolado y su interés científico por las precisas reproducciones gráficas de las formaciones geológicas. En sus Nueve cartas sobre la pintura paisajística de 1831, Carus describe las Tres Rocas como un testimonio histórico de la historia de la geología, como los "últimos vestigios de los riscos primordiales", y en ellas ve un tipo de fisionomía geológica que invita a la interpretación. No obstante, en esta obra su mirada audaz y científica se traslada del concepto de historicidad al de la naturaleza. Carus compara las Tres Rocas con "torres en ruinas" y crea así una conexión con un tema romántico recurrente (en forma de ruinas de iglesias góticas) al que era tan aficionado Caspar David Friedrich; un tema que a Carus también le gustaba revisar. En esta obra permanece la noción de continuidad tan importante para Carus, especialmente relacionada con su concepto del erdlebenbildkunst (“arte de vida en la tierra”) de Carus.

Carus viajó a las Riesengebirge o Montañas de los Gigantes en agosto de 1820. Estaba siguiendo los pasos de Friedrich, quien había recorrido a pie la región varias veces, y donde había encontrado numerosos motivos para sus pinturas. Se puede seguir la pista de esta pintura de las Tres Rocas hasta unos dibujos de Carus fechados el 15 de agosto de 1820 (Kupferstich-Kabinett, Staatliche Kunstsammlungen Dresden, inv. no. C 1963-636). No obstante, para la pintura modificó la profundidad y la gradación del brillo, de manera que el primer plano oscuro compensara las rocas bien iluminadas y las tierras altas que retroceden hacia el azul en la lejanía.

LUCIE HESSEL (Édouard Vuillard)

- Medidas: 88 x 67,9

- Técnica: Óleo sobre lienzo

- Grupo artístico: Nabis

Pertenece a una colección privada.

Édouard Vuillard fue un pintor francés y uno de los miembros fundadores del movimiento de Los Nabis. Aunque se formó en la prestigiosa Academia Julian y posteriormente, en la Escuela de Bellas Artes, Vuillard prefería un enfoque naturalista hacia el color y sus obras se definían mediante formas simplificadas. Vuillard no compartía el rígido enfoque que se defendía en su educación artística formal ya que lo encontraba asfixiante. Su estilo artístico dio como resultado una calidad similar a la de un tejido o tapiz, una consecuencia que quizás no resulte tan sorprendente ya que su madre fue costurera.

Se sabe mucho sobre la perspectiva y la fascinante vida de Vuillard gracias a su meticuloso diario, una práctica que continuó hasta su muerte. Fue conocido principalmente por sus representaciones de escenas domésticas y sus pinturas presentan una calidad íntima a la vez que nos ofrecen la perspectiva de una persona externa a la escena. 

No obstante, en esta pintura aparece cierto sentido de la intimidad y la cercanía entre el artista y la modelo. Esta es Lucie Hessel, esposa de Jos Hessel, el marchante suizo de Vuillard. Vuillard se sentía fascinado por Lucie y le estaba completamente entregado. Esta ejerció tanto de benefactora como de musa y apareció en más de cien de sus pinturas. Lucie a menudo aparecía pintada en escenarios llenos de lujo y calma, como en este ejemplo. Detrás de Lucie se encuentra su marido Jos, que parece concentrado en su lectura, ajeno al momento retratado.

Lucie y Vuillard mantuvieron una relación cercana durante toda su vida. Vuillard cenaba con los Hessel todas las noches e incluso iban juntos de vacaciones. Lucie fue su confidente y consejera e incluso se convirtió en su amante. Se piensa que Jos llegó a aceptar la relación. Vuillard falleció en 1940 en La Baule, cerca de Saint-Nazaire, mientras se dirigía al hogar que los Hessel tenían en la costa.

 AUTORRETATO CON SOMBRERO DE PAJA (Vicente Van Gogh, 1887)

- Medidas: 40,6 x 31,8 cm

- Técnica: Óleo sobre lienzo

- Movimiento pictórico: posimpresionismo

Se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte.

¡Esta semana es el cumpleaños de Vincent van Gogh! Nació hace 168 años.  😉

Van Gogh realizó más de 20 autorretratos durante su estancia en París (1886 - 1888). Con pocos fondos pero decidido a perfeccionar sus habilidades como pintor figurativo, se convirtió en su mejor modelo: "Compré a propósito un espejo lo suficientemente bueno para trabajar a partir de mí mismo, a falta de modelo". Esta obra, que demuestra que el artista estaba al tanto de la técnica neoimpresionista y la teoría del color, es una de varias pintadas en el reverso de un estudio de campesinos anterior. Probablemente, los autorretratos de Van Gogh representan su rostro tal como aparecía en el espejo: el lado derecho de la imagen es en realidad el lado izquierdo del rostro.

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