Una dosis de arte: AGOSTO

Continuamos con nuestro taller: UNA DOSIS SEMANAL DE ARTE 🎨🖌️

Cada semana nuestras socias y socios reciben una obra y les contamos las curiosidades más importantes sobre ella. Mes a mes, haremos una recopilación de todas las obras enviadas para que no os perdáis ninguna de ellas.

EL MANDRIL 

(C.P. Lasteyrie ner de Saillant after Jean-Charles Werner, 1822-1829)

- Técnica: Litografía, grabado/impresión coloreado a mano.

Se encuentra en el Museum of King Jan III´s Palace at Wilanów.

A comienzos del siglo XIX,  las vastas colecciones del Museo de Historia Natural de París fueron aprovechadas tanto por los naturalistas como por los ilustradores que las habían empleado desde la época de Luis XVI. Como el museo contaba con sus propios jardines zoológicos, pudieron proseguir con sus investigaciones en París sin tener que embarcarse en expediciones. Los anatomistas Étienne Geoffroy Saint-Hilaire (1772 - 1844) y Frédéric Cuvier (1773 - 1838) realizaron allí sus observaciones para su nuevo atlas de los mamíferos. En esta obra de cuatro volúmenes recopilaron sus concisas descripciones, en su mayoría de dos páginas, de las distintas especies animales. Cada una ellas iba acompañada de una litografía a color realizada a partir de los dibujos de Jean‑Charles Werner (1796 - 1856). Estas imágenes de los animales tienden a mostrarlos de perfil en una pose inmóvil, de acuerdo con la tradición de la ilustración zoológica francesa, de modo que imitan las exposiciones de los museos.

Charles Darwin afirmó que no había ningún otro mamífero tan colorido como el mandril. Una selección sexual extremadamente fuerte condujo a un dimorfismo sexual muy pronunciado durante la evolución de esta especie; solo los machos tienen la zona del hocico y las nalgas de color azul y rojo brillante y una espesa melena.

La litografía podrá verse hasta el 14 de agosto de 2021 en la exposición Plantas y animales: Atlas de historia natural en la época de Linneo en el Museo del Palacio del rey Juan III en Wilanów, Varsovia.

QUEMADOR DE INCIENSO (Ja`far ibn Muhammad ibn Àli, A. H. 577/  A.D. 1181-82)

- Material: Bronce

Se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte.

Esta encantadora criatura es un quemador de incienso en forma de león del Irán del siglo XII. Quemó incienso dentro de él y el humo perfumado salió de todos los pequeños agujeros que decoran su cuerpo.

El león fue creado para la corte de Seljuq (de Amir Saif al-Dunya wa’l-Din ibn Muhammad al-Mawardi), una dinastía islámica que gobernó Irán en los siglos XI y XII. Los Seljuq tenían muchos artistas expertos, y se destacaron particularmente en trabajos de metal como esta pieza de bronce. De hecho, su estilo artístico continuó mucho más allá de su influencia política, que ya estaba muriendo en este momento.

La escritura árabe incorporada en la decoración del león transmite mucha información, incluido el nombre del fabricante. Los Seljuq practicaban el Islam, una religión que prohíbe las representaciones humanas y animales en el arte. Sin embargo, los Seljuq, como muchas otras tradiciones islámicas, sostuvieron que la regla solo se aplicaba al arte religioso. Entonces se sintieron libres de tener animales como este en sus palacios con fines seculares.

El quemador de incienso es bastante grande, tal vez del tamaño de un perro promedio. Es totalmente de personalidad, pero no es un animal de aspecto muy feroz. En realidad se ve bastante amigable, aunque probablemente menos con el humo de incienso saliendo de su cabeza. El quemador de incienso de león se destaca entre las muchas obras espectaculares que se exhiben en las galerías de arte islámico del Museo Metropolitano de Arte. Es fácil imaginar que también llamó mucho la atención en el palacio iraní que originalmente llamó hogar.

EL JARDÍN DE LAS DANZAS, ALCAZAR DE SEVILLA (Joaquín Sorolla, 1910)

- Técnica: Óleo sobre Lienzo

- Movimiento: Impresionismo

Se encuentra en el Museo J. Paul Getty.

¿Cuándo volverá el verano?

Esta es una de las cuatro pinturas de paisajes urbanos y escenas de los jardines de Sevilla que Joaquín Sorolla pintó en 1910. Dos años antes había hecho una serie de paisajes similares en la misma ciudad. Si bien conservó el brillo y el ambiente de sus cuadros sevillanos de 1908, parece haber abordado esta segunda serie de una manera más tradicional.

El jardín de El Real Alcázar de Sevilla es el ejemplo más espléndido de la arquitectura árabe de la ciudad que brilla a la luz del sol de verano. Como siempre, Joaquín Sorolla y Bastida se preocuparon por el color,la luz, el brillo y la atmósfera. Los reflejos coloreados de la luz animan la escena y ayudan a definir las formas creando una sensación de que la naturaleza está en constante cambio.

Sorolla eligió originalmente este marco realizado por la firma de José Cano que aún existe en Madrid para la imagen. Las fotografías muestran el mismo tipo de marco dorado colgado en el estudio y la casa de Sorolla durante su vida.

BESO JUNTO A LA VENTANA (Edward Munch, 1892)

- Medidas: 73 x 92 cm

- Técnica: Óleo sobre Lienzo

- Movimiento: Simbolismo

Se encuentra en el Nasjonalmuseet de Oslo (Noruega).

Edvard Munch era un alcohólico desesperado que entraba y salía de sanatorios, nunca se casó y una de sus amantes le disparó en la mano izquierda cuando intentaba terminar su relación. Afortunadamente, pintó con su mano derecha. Munch es más reconocido por El grito, su obra más famosa, con toda su emoción intensa. Esta pintura muestra un tipo diferente de tensión: la belleza y el misterio de dos amantes besándose junto a la ventana.

AUTORRETRATO CON SOMBRERO DE PAJA

(Vicent van Gogh, Agosto-Septiembre 1887)

- Medidas: 40,9 x 32,8 cm

- Técnica: Óleo sobre Cartulina

- Movimiento: posimpresionismo

Se encuentra en el Van Gogh Museum.

Charles Sheeler visitó California por primera vez en 1954, para asistir a una exhibición retrospectiva de su arte en las Galerías de Arte de la Universidad de California en Los Angeles. También viajó a San Francisco, dondo tomó fotos de las calles de la ciudad y de  sus monumentos. Esto incluyó al Puente del Golden Gate, el famoso puente suspendido que se extiende por más de 4.000 pies a través de la entrada de la bahía de San Francisco. Sheeler realizó esta pintura a principios de 1955, trabajando a través de sus fotografías, en su casa en Irvington, Nueva York. Su evocación del puente es parcialmente abstracta, debido a las formas simplificadas, la paleta de colores saturados y un punto de vista extremo. Adicionalmente, Sheeler pudo haber ideado la composición superponiendo dos negativos fotográficos con un leve solapamiento. Golden Gate expresa la sensación de estar pasando por el puente, bajo sus torres y cables de suspensión; la torre más lejana se alza como una escalera, con sus espacios cruzados sugiriendo 'escalones' contra un cielo intensamente azul.

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