Una dosis de arte: JUNIO

Continuamos con nuestro taller: UNA DOSIS SEMANAL DE ARTE 🎨🖌️

Cada semana nuestras socias y socios reciben una obra y les contamos las curiosidades más importantes sobre ella. Mes a mes, haremos una recopilación de todas las obras enviadas para que no os perdáis ninguna de ellas.

EN EL CAMINO DE ANACAPRI (Gerda Wegener, 1922)

- Técnica: Óleo sobre lienzo

¡Junio es el mes del Orgullo! Para ser más exactos, el Mes del Orgullo Lésbico, Gay, Bisexual y Queer (LGBTQ) se celebra actualmente cada año en el mes de junio para conmemorar los disturbios de Stonewall de 1969 en Manhattan. En esta ocasión, queremos compartir contigo la historia de Gerda Wegener y Lili Elbe, que se conoce también gracias a la película La chica danesa. 

Gerda, que pintó la obra maestra de hoy, fue una ilustradora y pintora danesa. Es conocida por sus ilustraciones de moda y posteriormente, sus pinturas, que traspasaron los límites del género y el amor de su época. Estas obras se clasificaron a veces como "erotismo lésbico" y muchas se inspiraron en su compañera, la mujer transgénero Lili Elbe. Lili, nacida Einar Wegener, fue también artista y una de las primeras personas en someterse a cirugía de reasignación de sexo. Tras su transición, en 1930, cambió su nombre legal por el de Lili Ilse Elvenes y dejó de pintar; más tarde adoptó el apellido Elbe. Murió por complicaciones tras un transplante de útero.

Gerda dibujó y pintó varias obras de Lili y ella juntas. En 1922 pintó uno de los más bellos ejemplos de uno de los numerosos viajes a Italia de la pareja, que incluyeron varios viajes a Capri, como este retrato doble. Ambas mujeres llevan maquillaje así como joyas y vestidos en tonos rojos. Lili es más alta; sus anillos son idénticos. Esta obra está pintada con colores delicados y tiene una claridad etérea, onírica, como si el momento fuera atemporal. De nuevo, hay una cierta atmósfera renacentista, especialmente en el severo perfil del autorretrato.

MEDUSA (Gianlorenzo Bernini, 1638-1640)

- Altura 46cm

- Material: mármol con restos de patina original

- Movimiento artístico: Barroco

Se encuentra en el Kunsthistoriches Museum.

Hoy hacemos un homenaje dedicado a la exposición "Caravaggio & Bernini", presente en el Museo de Historia del Arte de Viena. 

Aunque esta Medusa no se menciona en los primeros registros de la obra del escultor que realizaron Filippo Baldinucci y Domenico Bernini, el estilo y la audacia con los que están talladas las retorcidas y descontroladas serpientes de la cabeza y concetto del mármol ("un terrible juego de palabras") extremadamente inteligente sugieren sin lugar a duda la autoría de Bernini. 

El monstruoso cabello de la Medusa era un nido de serpientes; aquellos que la miraban se convertían en piedra. Perseo fue capaz de escapar a sus fatídicos poderes al mirarla solamente "de forma indirecta" mediante su escudo de metal muy pulido. Protegido de este modo, Perseo decapitó a Medusa mientras dormía.

El busto de Bernini representa la rígida cabeza de Medusa antes de que Perseo pusiera fin a la gorgona. El artista se inspiró no tanto en el escudo ilusionista de Caravaggio, con un horrible parecido en sí, como en el tratamiento poético de la representación de La galería de Giambattista Marino (1619). El poeta utilizó las propias palabras de Medusa para invitar ímplicitamente a los escultores a que utilizaran el tema de su petrificación:

"No sé si fui esculpida por mortal cincel o si por contemplar una clara copa mi propia mirada me hizo esto". La respuesta de Bernini a Marino es una demostración de vitalidad y virtuosidad técnica, diseñada para provocar la estupefacción (stupore) de los espectadores para que ellos estén igualmente "petrificados". Dirigió su cincel a otro verso del soneto de Marino, en el que Medusa advierte al lector que una mirada incluso de una versión en mármol de su rostro (una obra de arte) sería capaz de convertir al espectador en piedra. De este modo, Bernini creó (al menos, para los conocedores de ese círculo) un paragone entre dos artes hermanas: ut scultura poesis, la poesía como escultura que habla y la escultura como poesía en silencio.

El autor y teórico italiano Cesare Ripa asoció a la Medusa con los celos y a sus serpientes con los malos pensamientos que brotan de un corazón malvado; la escultura puede, por lo tanto, interpretarse también como un emblema del silenciamiento de las habladurías envidiosas y por ello, de la victoria de la sabia discreción. El significado para Bernini puede incluso haber sido aún más inmediato y personal al relacionarlo al abrupto final, en 1638, de su apasionado romance con Costanza Piccolomini (Bonarelli), cuyos rasgos son sin duda parecidos a los de esta Medusa. En este caso, la escultura podría haberse realizado hacia 1638–40 en contraposición al delicado busto de Costanza.

EL PODER DE LA MÚSICA (William Sidney Mount, 1847)

- Medidas: 67 x 78 cm

- Óleo sobre lienzo

Se encuentra en el Museo de Arte de Cleveland.

William Sidney Mount fue un pintor de género del siglo XIX que alcanzó la fama en Estados Unidos y Europa gracias a sus representaciones de la vida rural de Long Island, como vemos en la pintura de hoy.

Ambientada en el mundo rural de Long Island anterior a la Guerra Civil, la compleja pintura de Mount representa un trabajador afroamericano escuchando atentamente una melodía de violín que también disfrutan hombres blancos. Mientras el amor por la música reúne a las figuras en un vínculo de humanidad compartida, las dos razas ocupan diferentes espacios (uno interior y otro exterior, ambos separados por la puerta de un granero), simbolizando de manera eficaz las pronunciadas divisiones en los Estados Unidos en aquella la época. 

Un dato interesante es que Mount era un consumado violinista e incluso llegó a patentar un nuevo diseño de este instrumento.

Presentamos la obra de hoy gracias al Museo de Arte de Cleveland.

P.D. ¿Te has preguntado alguna vez cómo se puede representar la música en la pintura?

TORMENTA EN EL MAR NEGRO (Ivan Aivazousky, 1844)

- Medidas: 134 x 72 cm

- Técnica: Óleo sobre lienzo

- Movimiento pictórico: Romanticismo

Se encuentra en The Omsk Regional Museum of de Fine Arts de Rusia.

Según el propio Aivazovsky, de las 6.000 obras que creó, 4.000 están dedicadas a tormentas. El artista trató de mostrar todo el poder de las olas furiosas y su belleza fascinante.

Dedicando su trabajo al agua, el pintor lo mostró en una variedad de estados de ánimo. El método de su trabajo estuvo determinado por su fenomenal memoria y buena imaginación. Rara vez dibujaba al natural; normalmente trabajaba desde su estudio.

Tormenta en el Mar Negro contiene nuevas características, pero al mismo tiempo conserva los rasgos claves del Romanticismo. A diferencia de los lienzos anteriores, el esquema de color sobrio se basa en una gama sutilmente desarrollada de tonos fríos gris verdosos. El virtuosismo y el arte especiales se manifiestan en el ritmo de la distribución de finas capas de pintura, en la dinámica y forma del trazo, en la belleza y complejidad de las soluciones texturizadas y en la energía de los acentos de luz.

La pintura combina mucho de lo que el artista ha visto y experimentado por sí mismo. Él especialmente recuerda la tormenta que vivió en el Golfo de Vizcaya en 1844. La tormenta fue tan devastadora que el barco se consideró ahogado, y los periódicos europeos y de San Petersburgo informaron de la muerte de un joven pintor ruso, cuyo nombre ya era bien conocido... Años más tarde, Aivazovsky recordó: "El miedo no suprimió en mí la capacidad de percibir y retener en mi memoria la impresión que me dejó la tormenta, como un maravilloso cuadro vivo".

Presentamos la pintura de hoy gracias al Museo Regional de Bellas Artes de Omsk.

MADAME ALBERT MARQUET LEYENDO (Albert Marquet, 1924)

- Medidas: 73 x 59,7 cm

- Técnica: Óleo sobre lienzo

Pertenece a una colección privada.

El año 1920 marcó un punto de inflexión en la vida profesional y familiar de Marquet. Después de haberse recuperado de problemas de salud el año anterior mientras trabajaba en París y Marsella, se fue en busca de un clima más cálido y  de un nuevo tema para inspirarlo. Viajó en enero de Marsella a Argel. Poco después de su llegada, escribió a Matisse, George Besson (su biógrafo) y otros, contándoles sobre su nuevo entorno. Armado con una carta de presentación conoció a Marcelle Martinet; ella lo llevó a largas caminatas por Argel y sus alrededores, y posteriormente se casaron en 1923.

Madame Marquet recordó el comienzo de su vida matrimonial juntos, un período que estuvo marcado por viajes frecuentes, casi siempre a lugares con vías fluviales animadas, incluyendo puertos, mares y el Sena: “En 1923 comenzamos nuestra vida juntos con una estadía de seis meses en una pequeña ciudad tunecina. Vivíamos con sencillez, dividiendo nuestro tiempo entre el trabajo y los paseos en uno de los lugares más bellos del mundo: casas blancas y azules, colgando de acantilados entre el cielo y el agua, un lugar tan hermoso, que Marquet nunca quiso volver a él, diciendo que no quedaba nada más que añadir a su impresión".

Madame Albert Marquet leyendo, pintado en 1924, retrata a la esposa del artista en el balcón con vistas a la bahía de Argel. Madame Marquet escribió: “Su autoridad se manifestó una vez que comenzó a trabajar; lo noté cuando lo vi pintar, particularmente cuando hizo mi retrato. Una vez que comenzó a pintar, todo dejó de existir excepto él y su tema. Prosiguió con certeza, como guiado por una fuerza interior. Eliminó lo superficial, acentuó lo esencial. Lo que le confirió esa sólida autoridad fue el hecho de que hizo lo que tenía que hacer; no podía hacer otra cosa. Ninguna moda, ninguna tendencia podría apoderarse de él".

<<Anterior 

Siguiente>>